Lorien (lorien22) wrote,
Lorien
lorien22

Category:

Музеи Лондона - Институт искусства Курто в Сомерсет-Хаус

На днях подумалось, что я много пишу о путешествиях, архитектуре, археологии, развалинах, монастырях и прочем, и как-то совсем забросил искусство и музеи, к которым испытываю не менее нежные чувства. А учитывая, что я совсем недавно был в Лондоне о котором можно сказать, что это "столица мирового искусства", то написать у меня есть про что. За пять дней в городе я успел побывать в девяти музеях, в том числе в Британском музее, наверное лучшем музее моей жизни, в который я пошел дважды, понимая, что за один раз его даже просто не обойти, не то чтобы осмотреть, Музей естествознания, который не менее крут чем Британский, Музей Альберта и Виктории, Национальную Галерею, собрание Уоллеса, посетил даже коллекцию королевы Виктории в Букингемском дворце (правда Вермеера суки от меня спрятали) и так далее. Однако сегодня я хочу рассказать вам не о "монументальных" дворцах искусства, а о маленькой, но очень удачной коллекции - Институте искусства Курто. Которая, кстати, по иронии слога расположена именно в дворце))



Институт искусства или галерея Курто расположена в Сомерсет-Хаус - это построенное в стиле классицизма здание занимает целый квартал между Стрэндом и Темзой. Здесь жил Эдвард Сеймур, дядя короля Эдуарда VI, потом здесь жила будущая королева Елизавета. После Великого лондонского пожара дворец отстроил сам Кристофер Рен, но судьба не благоволила к нему, и в 1775 году он был снесен. А на его месте было возвигнуто нынешнее здание, в северном крыле которого (построенном сэром Уильямом Чемберсом в XVIII веке) в наши дни и располагается коллекция Сэмюэля Курто.



Курто - текстильный фабрикант и страстный коллекционер искусства основал институт в 1932 году. Идею он вынашивал еще с начала двадцатых годов, долго общался с университетом Лондона по этому поводу, но никак не мог найти место. В итоге после смерти своей жены, он передал уже основанному институту свой дом в Лондоне - прекрасный особняк XVIII века, построенный архитектором Робертом Адамом, в аренду на 50 лет. По его замыслу, здесь должно было проходить преподавание истории искусства непосредственно на примере произведений, собранных в институте. Сэмюэль передал в институт большую часть своей коллекции и значительную сумму денег для строительства галереи. Однако сам текстильщик не дожил до момента воплощения своей мечты в реальность - он умер в 1947 году, а галерея открылась только в 1958 году. Однако коллекция была отдалена - и от института и от центральной части Лондона, что создавало некоторые неудобства. Вдобавок в 80-х годах истекал срок аренды. В итоге было решено перевести институт и коллекцию в освободившийся Сомерсет-Хаус, и с тех пор она расположена здесь.



В коллекции Курто есть как и старые мастера, так и более "современные" авторы - импрессионисты, фовисты и даже художники XX века. Ну а теперь обо всем по выборочно по порядку. Сверху я показал две картины Лукаса Кранаха Старшего. Вторая называется "Адам и Ева". На ней, соответственно Адам и Ева изображены в судьбоносный момент обольщения. Ева протягивает Адаму яблоко, а змей, обвитый вокруг дерева, наблюдает за происходящим. Кранах и его ученики рисовали эту тему более пятидесяти раз (самая известная картина находится в галерее Уффици во Флоренции, есть удачные версии в музеях Лейпцига и Вюрцбурга).



Рубенс – Семья Яна Брейгеля Старшего. Рубенс и Брейгель нарисовали вместе много картин – Рубенс рисовал портреты, а Брейгель – пейзажи и другие предметы. Художники были близкими друзьями, поэтому Рубенс, рисуя портрет семейства Брейгель пытался изобразить умиротворенную атмосферу, подчеркивающую важность семьи и дружбы. На портрете изображены сам художник с женой и детьми. Катарина, вторая жена Яна – сердце интимной ячейки, изображенной на портрете. Она прижимает детей – Питера и Элизабет как можно ближе к себе. Одна рука Катарины покоится на плече Питера, другая сжимает хрупкую руку дочери. Элегантно одетый Питер играется с браслетом матери, возможно обручальным подарком. Семья Брейгеля, богатые жители Антверпена, наряжены в очень элегантные одежды. Нет никакого намека на профессию Яна.
Сам художник стоит немного сзади, как бы охраняя свою семью. Тепло, которым веет от картины, нетипично для Рубенса, и сравнимо разве что с портретами его собственной семьи (один из них был над этой картиной, но фотографировать Рубенса я больше не могу, хватит).



Пьер-Огюст Ренуар – Ложа. Эта картина была включена в первую групповую выставку импрессионистов в 1874 году, и считается одним из самых известных полотен Ренуара 70-х годов. Отзывы были хорошие, но художник смог продать картину лишь через год, причем за очень небольшую сумму - 475 франков. Перейдем к самой картине - на ней изображены мужчина и женщина в ложе театра. Моделями выступили родной брат Ренуара Эдмонд и монмартская натурщица Нини Лопез, известная под именем «Рыбье Лицо» (очевидно в те годы это был комплимент). Мнение критиков насчет картины разделилось: одни считали, что одежда женщины свидетельствует об опасностях современной моды, другие наоброт, хвалили элегантность наряда.



Дега - Танцовщины. Похоже без такой картины не может обойтись ни одна уважающая себя коллекция искусства. Рассказывать про полотно не буду, уж увольте)



Камиль Писарро – Лейн-Стэйшн в Далвиче. Художник провел год в лагере беженцев во время Франко-Прусской войны. Эта железнодорожная станция (в наши дни ее не существует) была рядом с его домом в Норвуде. Любопытно, что Писарро, обычно предпочитавший людные пейзажи, в этой картине не нарисовал ни одного человека – может такова была его реакция на происходящее. Изначально художник планировал вставить одинокую фигуру, подстригающую траву, но потом убрал и это изображение.



Оноре Домье – Дон-Кихот и Санчо Панса. Из не законченных работ Домье на тему знаменитого романа Сервантеса. Картина сохраняет атмосферу юмора и трагического великодушия. Также художник использовал лошадь и осла, чтобы передать разность характеров двух героев.



Эдуард Мане – На балу. В галерее Курто есть четыре картины Мане, все они заслуживают отдельного разговора. Этот скетч был продан в 1884 году вместе со всем содержимым студии художника. Большие участки холста остались не разрисованными, но художник ухитрился несколькими мазками кисти обрисовать повернутый торс женщины и ее платье. За женщиной видна еще одна фигура – мужчины. Эксперты опознали женщину, послужившей натурщицей для наброска - это Маргерит де Конфанс, семья которой имела близкие отношения с семьей Мане.



Еще две картины Мане - Набережная Сены в Аржантёе и Завтрак на траве.

Набережная Сены в Аржантёе -  самое глубокое погружение художника в так называемый "открытый импрессионизм". Художник нарисовал картину в ходе пребывания в Аржантёе с Клодом Моне и его семьей. Жена Клода Камилла и его сын Жан и послужили моделями для полотна. Обрывистые мазки усиливают эффект от волн, а легкие светлые мазки подчеркивают атмосферу летнего воздуха. Другую картину из серии Яхты в Аржантёе - я видел в ходе посещения Национального музея Кардиффа, столицы Уэльса - http://lorien22.livejournal.com/255303.html

Завтрак на траве - вторая версия очень спорной картины, которую как и первую, тоже отверг официальный парижский Салон. Мане вновь возвращается к теме картин Ренессанса, которые он видел в Лувре, и изобразил голых женщин, слушающих мужчин музыкантов. Картина Мане вызвала шок потому что пасторальная идиллия, изображенная на холсте специально была перенесена в современную эпоху. Мужчин носят современную одежду а голые женщины – уродливы. Таким образом Мане высмеивает официальное «академическое» искусство и школу.




Эдуард Мане - Бар в Фоли-Бержер. Фоли-Бержер - варьете и кабаре в Париже, пользовавшееся огромной популярностью в конце XIX века. Главный литературный журнал того времени написал о Фоли-Бержер, что это "Безграничная радость", а Ги де Мопассан охарактеризовал барменш бара "торговками выпивки и любви", так как еще это место было знаменито тем, что мужчины снимали здесь проституток. Мане часто бывал здесь, и в итоге написал эту картину - последнюю, которую он представил на Парижском салоне перед своей смертью.

На картине мы видим поглощенную своими мыслями барменшу (Сюзан, давнюю знакомую художника), стояющую перед зеркалом, в котором отражается аудитория, наблюдающая за представлением. Мане очень хорошо удалось передать контраст между невероятным одиночеством женщины и веселящейся толпы, которая пьет, курит и наблюдает за выступлением акробата.

Вдобавок все отражения на картине - как бутылок, так и самой барменши - нереальны. Женщина повернута лицом к нам, но зеркало отображает ее лицом к клиенту. Таким образом Мане втягивает нас в картину. Может быть мы – это ее клиент?

Также, зеркало, в котором отражаются фигуры проводят параллель между Мане и двумя другими знаменитыми произведениями искусства - "Менинами" Веласкеса и "Четы Арнольфини" ван Эйка. Из этого можно заключитб некоторые вывода об отношении художника к искусству. С одной стороны он высмеивал академичность и прошлое, пытаясь создать новое современное течение в искусстве, с другой стороны художник выказывает безграничное уважение к работам "классиков".



Пьер-Огюст Ренуар – портрет Амбуаза Воллара. Амбуаз Воллар – знаменитый торговец картинами, друг практически всех художников-импрессионистов. Поэтому Ренуар изобразил торговца в величавой позе эксперта, изучающего античную статуэтку – с намеком на коллекционеров эпохи Ренессанса. Портрет идеализирован – на самом деле Воллар был очень толстый и грузный человек, которого часто дразнили за огромную плешивую лысину и уродливый нос картошкой.



А теперь несколько картин Гогена. "Сон" был нарисован художником во время второго посещения Таити. На картине изображены две женщины, наблюдающие за спящим ребенком. Фигуры не разговаривают между собой, что подчеркивают мистическую атмосферу. Художник хотел, чтобы тема полотна осталась неясной. Сам он пишет: «Все на этом холсте сон. Ребенок ли это? Мать ли это? Или это наездник на лошади на тропинке? Или это сон самого художника?. Гоген написал таитянское слово «Сон» в самом низу композиции, но опечатался: это должно быть rereioa а не rerioa.



Пол Гоген – Никогда Более (Nevermore)

Две женщины на заднем фоне и «птица дьявола на страже» похоже, задумали что-то против лежащей женщины. Сама женщина не спит, и очевидно понимает, что против нее что-то замышляется. Название картины отсылает нас к поэме Эдгара Аллена По «Ворон», в которой поэт, сощедший с ума от несчастной любви, слышит ворона, постоянно повторяющего «Nevermore». В момент написания картины Гогена интересовала тема "потери невинности" – художник был очень разочарован посещением Таити, где ожидал встретить примитивный рай, а столкнулся с коррумпированным обществом.



Поль Гоген - Снопы. Художник нарисовал эту картину в ходе своего третьего длительного пребывания в Бретани. Ему очень нравились традиции региона и оригинальные костюмы – он называл это «побегом от Парижа», и видел в местных одеждах некий примитивизм и экспрессию, подчеркивающию буйную и яркую жизнь. Пространство на картине намеренно искажено – снопы и кусты слева упрощены, и изображены светлыми мазками. Но мечта Гогена о простой жизни, отображенная на картине, постепенно исчезала – художник все время жаловался, что на его любимую точку в Понт-Авене теперь приезжают толпы народу и туристов. Как человек, немало путешествующий по миру (да и по Израилю) - я его очень хорошо понимаю.



Винсент Ван-Гог – Автопортрет с забинтованным ухом

От Гогена переходим к моему любимому Ван-Гогу, тем более что в случае этой картины художники тесно связаны - в ноябре 1888 года Гоген присоединился к Ван-Гогу в Арле, чтобы рисовать вместе в «Южной Студии» - своего рода группе, которую хотел организовать Ван-Гог. Но художники быстро начали ругаться, и после тяжелой ссоры Гоген уехал. Винсент потом отрезал себе ухо, и послал его Полю.

Этот автопортрет стал одной из первых работ Ван-Гога после инцидента. Винсент верил, что работа вернет ему душевную стабильность. Художник стоит перед едва начатым полотном, и японским наброском, который ему принадлежал. Кажется, что он отвернулся от обоих. Это может быть интерпретировано как неосуществившаяся мечта организовать колонию для художников, вдохновленных японским искусством. А может и наоборот – как намерение художника продолжать рисовать, несмотря не на что. Однозначного ответа у картины нет – он предоставляется нам, зрителям.



Винсент Ван-Гог – Цветущие персиковые деревья

Это - последний вид Ван-Гога на Арль, который он рисовал с 1888 года. Художник написал Полю Синьяку: "Все настолько маленькое здесь, даже горы, как на некоторых японских пейзажах, которые и стали для меня объектом для притяжения". Покрытая снегом вершина в правом углу (отслыка к горе Фудзи) и цветущие деревья создают умиротворенную атмосферу. Но согнутая фигура слева подчеркивает тот факт, что этот пейзаж был создан человеком.



Теперь - несколько картин Сезанна. Курто познакомился с творчеством художника в 1922 году и был просто очарован им. Здесь мы видим одну из серии картин "Игроки в карты". Другие картины из этой серии находятся в музее Д`Орсэ в Париже, Метрополитен в Нью-Йорке, коллекции Барнса в Филадельфии, а одно полотно из этой серии было куплено королевской семьей в Катаре почти за 300 миллионов долларов, что сделало картину самой дорогой в мире. Вторая картина - "Река в Анси".



Еще несколько Сезаннов, для полноты раскрытия темы - Мужчина с трубкой, послуживший своего рода наброском для Игроков в карты (таких картин шесть) и натюрморт. А теперь идем дальше:



Клод Моне – Антибы. В 1888 году Моне провел несколько месяцев в Антибах, на юге Франции. Погода все время менялось, что значительно затрудняло для художника работу над картинами, но Моне пытался наилучшим образом передать постоянные изменения света и ветра. На этом полотне Моне удалось хорошо отобразить интенсивность света и цвета, используя сильно контрастирующие цвета. «Я привожу из Антиб саму сладость, белый, розовый и голубой, запечатанные в конверте волшебного воздуха», - написал он потом в своем дневнике.



Жорж Сёра - Женщина с пуховкой

Эта картина очень хорошо символизирует все преимущества Пуантилизма - техники, созданной художником. Моделяция света и тени на стене достигается при помощи маленьких точек в разной концентрации и интенсивности. Модель – Маделейн Кноблох, любовница художника, с которой он также прижил двух детей. Поэтому это – очень личная картина.



Жорж Сера – Мост в Курбевуа

Сера рисовал этот вид на Сену в индустриальном районе Курбевуа, в том же стиле пуантилизма. художник считал, ято цвета выглядят ярче в маленьких точках, чем перемешанные между собой. Сцена отображает остров Гранд-Жатт, который Сёра очень любил рисовать (самая знаменитая картина из серии – Воскресный день на острове Гранд-Жатт, которая также считается науличшим примером пуантилизма - находится в наши дни в Институте Искусств в Чикаго). Однако эта картина отличается от других мрачностью и какой-то грозной тишиной. Искаженные человеческие фигуры добавляют к темной и угрюмой атмосфере картины и делают ее еще более меланхоличной.



Теперь - две картины Анри де Тулуз Лотрека - В приватной комнате (кафе-ресторан Мертвая Крыса) и Джейн Авриль у входа в Мулин-Руж

Тулуз-Лотрек знаменит своими портретами ночной жизни Парижа. На первом полотне изображена проститутка высшего класса, очевидно Люси Джордан, в кафе-ресторане Ле Рат Морт (Мертвая Крыса). Профиль ее компаньона был вырезан. Зеленый свет от лампы создает болезненный эффект, символизирующий уникальную атмосферу ночного времяпровождения во французской столице.

На втором портрете художник пытается передать контраст между сугубо индивидуальным и общественным – Джейн Авриль как частной женщины и ее ролью звезды-перформера. Лотрек и Авриль были близкими друзьями, но никогда не были любовниками. Джейн стоит у входа в Мулен Руж, где, по слухам, потом висел портрет. В то время Джейн было всего чуть более двадцати лет, но мрачные краски делают ее намного старше. Она выглядит отреченной, что намекает на то, что скоро ей подыматься еа сцену, и она прихологически настраивает себя на выступление.



Кеес ван Донген – Торс, Идол

Жена художника Гуус Прейтингер стала моделью для этой картины, которая была включена в выставку Осеннего Салона 1905 года. На нем впервые выставляли картины фовистов – Матисса, Дерена и Вламинка.

Женщина показана голой в сексуально заряженной позе. Ее возбужденное лицо нарисовано в тонах теплого розового и горячего красного. Бледное тело специально обрисовано темными линиями, с целью создать драматический фон. Картину можно рассматривать с двух углов – либо как брошенное в момент сексуального возбуждения тело, либо как монументальную фигуру.



Хаим Сутин – Молодая женщина в белой блузе

Про моего любимого Сутина я тоже рассказывал уже не раз, например когда писал о лучшем музее мира - http://lorien22.livejournal.com/205718.html. К слову, кураторы галереи Курто, оказывается, звезд с неба отнюдь не хватают, так как, наподобие нашиз израильских музеев  сообщают нам, разумеется ошибочно, что Сутин родился в Литве. Однако не будем отвлекаться. Эта картина – типичный стиль Сутина. Фигура искажена, чтобы подчеркнуть как физическое, так и психологическое напряжение. Белая блуза может символизировать чистоту и невинность, которым противопоставлены потертое лицо и меланхолические глаза.

Раз уж я начал тему - до 2012 года на родине Сутина не было ни одной его картины. В феврале 2012 года Белгазпромбанк приобрел на аукционе Кристис «Большие луга в Шартре», а в 2013 году на аукционе Сотбис приобрел картину «Ева» за 1,805,000 долларов. Эта картина признана самой дорогой картиной в Белоруссии на сегодняшний день.



Амедео Модильяни – Сидящая обнаженная

Эта картина входит в серию портретов голых женщин, которых итальянский мастер нарисовал в 1916-1917 годах. Типичная длинная шея на холстах Амедео указывает на влияние египетской, африканской и океанской скульптурных традиций, которые художник изучал в этнографической школе в Париже. Когда голых женщин Модильяни впервые выставили в галерее Берты Вейл в Париже, полиция поспешила закрыть выставку, утверждая, что показывать лобковые волосы – это преступление против человечества. На картине изображена Беатрис Гастингс.



Пабло Пикассо – Желтые Ирисы

1901 год был очень тяжелым для молодого художника. Амбруаз Воллар, чей портрет мы видели выше, обещал Пабло устроить выставку его картин в Париже, после чего Пикассо спешно покинул Мадрид и отправился во французскую столицу. Чтобы успеть подготовить выставку, Пикасоо рисовал по три работы в день, и эта картина – одна из них. По резким и торопливым мазкам можно увидеть, как художник торопился, стараясь успеть в срок нарисовать определенное количество картин. Что, в сущности, не отразилось на качестве работ.



Алексей Явленский – Манола

Манола входит в серию портертов женских голов разных национальностей, нарисованную художником в период 1913-1914 годов. Эта голова была определена как испанская из-за имени и традиционной мантильи на голове. Ее огромные глаза и вольный взгляд гипнотизируют зрителя. Явленский очень любил яркие краски, чтобы подчеркнуть некоторые детали портрета, но и в данном случае не ясно, выражает ли взгляд женщины уверенность в себе, тревогу или подозрение и осторожность.



Габриэла Мюнтер – портрет молодой женщины в большой шляпе

Вдруг подумалось, какие счастливые времена были у художников (и у зрителей) до сюрреалистов, когда картину можно было просто назвать «Женщина в шляпе», и не париться, а потом пришли эти люди со своими больными снами, и все картины начали называться «темная бесконечность в форме овального цилиндра на фоне шахматного яблока». Однако вернемся к теме.

На момент написания картины такое изображение счиатлось самым современным и продвинутым. Портрет подчеркивает самоуверенность женщины из-за насмешливой, все знающей улыбки, и четкого и ясного взгляда. Мюнтер позднее писала: Рисовать портреты – это самая сложная но вместе с тем самая духовная роль художника. Габриэла вместе с Василием Кандинским создала в 1911 году радикальную группу художников «Синий Всадник», работавших в Мюнхене. К ней же принадлежал и Явленский.



Макс Пехштейн – Женщины у моря

Эта картина – фантазия, основанная на вере художника о том, что «примитивные», то не есть не-западные культуры обычно живут в идеальной гармонии между природой и человеком. Женские фигуры написаны под влиянием африканской и океанской скульптуры. Цель была – изобразить «примитивный» рай. В 1914 году художник посетил jстрова Палау, вдохновившись поездками Гогена на Таити.



Марианна Верёвкина – церковная башня

Верёвкина состояла в группе «Голубой Всадник», о которой я писал чуть выше. Эта работа была написана после переезда художницы в Швейцарии, куда Марианн бежала от ужасов войны. Здесь изображен типичный для Верефкин вымышленный пейзаж – две женщины проходят под церковной башней, которая склоняется по направлению к ним, и в то же время заснеженные пики гор создают контраст с завихренным небом. Все это создает мистический и смущающий пейзаж - как будто речь идет о сне.



Леон Коссофф – голова Сеедо

Это портрет изображает писателя Сеедо – близкого друга художника, и его первого натурщика. Коссофф традиционно работал над портретом месяцами, постоянно добавляя новые детали и перерисовывая. Потом он объяснял: «Я всегда стремлюсь достигнуть максимального реализма и напряжения». Портрет написал в типичном для Коссоффа стиле (столько слоев краски я не видел ни у кого), что создает ощущение, как будто краска по-прежнему двигается по холсту.

В общем если подвести черту - отличная коллекция, не утомляющая. Институт можно обойти часа за два, что выгодно отличает его от монументальных музеев, на которые требуется день или месяц. Вдобавок находится в самом центре, так что почему бы и не зайти?

Ну вот пожалуй и хватит на этот раз. Для тех кому интересны мои другие посещения музеев в Лондоне - вот пост о галерее Тейт Модерн - http://lorien22.livejournal.com/251927.html
Tags: Великобритания, Выставки, Галереи, Европа, Искусство, Лондон, Музеи, Путешествия
Subscribe
  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
    You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.
  • 50 comments
Previous
← Ctrl ← Alt
Next
Ctrl → Alt →
Previous
← Ctrl ← Alt
Next
Ctrl → Alt →