Lorien (lorien22) wrote,
Lorien
lorien22

Categories:

Новые выставки в Музее Израиля - Закат над Берлином, Альбрехт Дюрер и Ман Рэй

Отвлечемся ненадолго от Исландии, и вернемся в Иерусалим. В эти дни в Музее Израиля открылось несколько потрясающих выставок, о которых я просто обязан вам рассказать. Гравюры Дюрера, фотограммы Ман Рэя и прежде всего - невероятная коллекция немецких экспрессионистов из Берлинской Национальной Галереи, по которой можно проследить расцвет германского искусства от начала XX века и его трагический закат с приходом нацистов к власти.



Выставка "Закат над Берлином" охватывает очень любопытную эпоху в Германии, примерно от начала XX века и до прихода нацистов к власти.



За это время успел набрать силу и занять центральные позиции новый стиль - экспрессионизм, в основном проявивший себя посредством группы "Мост". Художники, взявшие свое название из Ницше – «Хорошо в человеке то, что он является мостом, а не целью» - успели буквально за пару лет радикально изменить живопись, после чего переехали из Дрездена в Берлин, распались, перешли из Берлинского сецессиона в Новый сецессион, создали группу «Синий всадник» и еще одно течение "Новая вещественность", изменили живопись еще раз, а потом почти поголовно попали под молот беспощадной нацистской машины. Но попробую все-же рассказать обо всем по порядку.



Экспрессионизм, родившийся на сломе XIX и XX веков, как и многие другие течения, пытались прежде всего освободиться от оков прошлого и закосневших в вечности академических традиций. В эпоху правления Императора Вильгельма II (1888-1918) Германия как будто застыла во времени. Жизнь была хорошей и спокойной, на вдоре еще стоял Золотой век старой Европы, и ничто не свидетельствовало о том взрыве и хаосе, которой постигнет весь континент буквально через пару лет. Однако интеллектуалы, и в основном художники уже искали другой способ выразить себя, более радикальный. Больше всего они были настроены, естественно, против последнего захватившего все вокруг стиля, импрессионизма. Художникам в Германии и Австрии в начале двадцатого века претил свойственный буржуазным французам эстетизм и натурализм, а больше всего тот факт, что импрессионисты, творившие в основном в эпоху расцвета, при всех личных проблемах могли сосредоточить свои силы на индивидуальном видении мира, природы, времени. Экспрессионисты, тонко предчувствуя грядущее (Первая мировая война, активная индустриализация, постоянная смена политических режимов, подъем  коммунизма и фашизма (а позднее и нацизма), и все другие изменения в Германии), не могли оставаться равнодушными к происходящему вокруг, и это отразилось в их творчестве, поставившее акцент не на отображении действительности, а на попытке выразить тот внутрениий мир, который эта действительность выявляла.



Субъективность творческого акта, преобладание выражения над изображением, эмоции, боль – все это заняло центральное место в творчестве экспрессионистов. Недаром символом их движения стала уже легендарная в наше время картина «Крик» норвежского художника Эдварда Мунка - http://lorien22.livejournal.com/198473.htm, а также творчество Ван-Гога, импрессиониста, очень быстро раздвинувшего рамки своего стиля, и Джеймса Энсора. А идеологом движения стал уже упомянутый философ Фридрих Ницше, в те годы переиздавший свой первый трактат «Рождение Трагедии из духа музыки», в котором он сопоставляет два начала – рациональное апполоническое и иррациональное дионисийское. Экспрессионисты, чьи картины в основном характеризуются быстрыми мазками, искаженными формами и резкими контрастами цветов, символизировали собой сдвиг от Аполлона (импрессионизм) к Дионису, от рационального к иррациональному (от «им» - внутрь к «экс» - наружу). Художники группы «Мост» находились под влиянием средневековых мастеров и африканского искусства, любили открытые пейзажи с голыми телами и грубыми фигурами. Они стремились к пейзажам, не запятнанным цивилизацией, стремились к примитивному, пытались убежать от хаоса большого города (как минимум сначала), от общества, буржуазных ценностей и «Вильгельмианской» морали.



Со временем, однако, многое изменилось и среди экспрессионистов. в 1910 году они переехали из Дрездена в Берлин, и начали изображать жизнь в мегаполисе. С признанием начал проявляться индивидуальный стиль каждого из них, и группа «Мост» распалась в 1913 году - в основном из-за  человека по имени Людвиг Кирхнер, картины которого мы видим выше. группа художников-экспрессионистов во главе с Пехштейном отделилась от Берлинского сецессиона и образовала Новый сецессион, в Мюнхене оформилась группа «Синий Всадник», идеологом которой стал Василий Кандинский, а остальные образовали течение "Новая Вещественность", о котором я расскажу ниже. А теперь - о Кирхнере.



Дата 7 июня 1905 года навсегда вошла в историю как день основания одной из самых известных художественных групп Германии. Именно тогда четыре молодых студента - Эрнст Людвиг Кирхнер, Карл Шмидт-Ротлуф, Фриц Блейль и Эрих Хеккель изучающих архитектуру в Технической школе Дрездена, решили создать новое течение в искусстве и живописи. Инициатива создания группы пришла от Кирхнера, а название «Мост» придумал Шмидт-Ротлуф. Буквально за несколько лет группа разрослась до 75 членов, и в нее вошли такие величины как датчанин Эмиль Нольде (вот несколько его работ из Национальной галереи Копенгагена - http://lorien22.livejournal.com/196998.html), голландец Кеес Ван Донген - http://lorien22.livejournal.com/272138.html, великий финн Аксели Вальдемар Галле́н-Ка́ллела, чьи работы мне выпала честь увидеть в Атенеуме вместе с моим любимым Хуго Симбергом - http://lorien22.livejournal.com/249812.html и многие другие. Однако после признания и переезда в Берлин отношения между основателями группы охладели. Раньше они писали в оригинальном "групповом" стиле - картины по их сюжетам и способу написания были столь схожи, что не всегда сразу удаётся различить, кто из мастеров является автором. Таким образом «Мост» старался не только тесно связать своих представителей, но и выразить протест против привычного, буржуазно-индивидуалистского представления о художнике, как об «одиноком гении». Однако со временем Кирхнер начал выделяться из группы, и после написания им «Хроники художественной группы „Мост“» следует разрыв. Его бывшие товарищи посчитали, что Кирхнер слишком подчеркивал свою роль в создании «Моста», и разослали другим членам группы извещение о том, что «Мост» прекращает своё существование. Подпись Кирхнера под этим письмом отсутствовала.



А вот и они - основатели группы «Мост». Написал картину естественно Эрнст Людвиг Кирхнер. Этой картины на выставке нет, но она хорошо вписывается в рассказ, поэтому я решил добавить ее сюда. А теперь перейдем к картинам присутствующим на выставке.



На выставке «Закат над Берлином" Кирхнер представлен четырьмя картинами. Художник очень любил рисовать «уличную жизнь» Берлина, в основном шлюх на Фридрихштрассе (первая картина) и Потсдамской площади (вторая картина, одна из самых знаменитых работ Кирхнера). В основном проститутки тех времен не так выделялись на улицах, как в наши дни, были одеты в подобающие для той эпохи одеяния, и служили предметом страсти и вожделения с одной стороны, но также ассоциировались с болезнями и смертью с другой. Перья на одеяниях и похожие на маски лица указывают на влияние племенного африканского "негритянского" искусства на немецких художников группы «Мост» - искусства, вызвавщего гнев нацистов, которые видели в африканских и океанских  культурах и традициях угрозу немецкому национализму. Многие работы Кирхнера были изъяты нацистами, 32 полотна стали частью выставки «дегенеративное искусство», а 600 его картин были уничтожены. После этого у художника был нервный срыв, и в 1938 году он застрелился.



Эрнст Людвих Кирхнер – Портрет Эрны Шиллинг

Однако вернемся к третьей картине. В 1911 году Кирхнер переехал из Дрездена в Берлин, и был очарован бурлящей ночной жизнью германской столицы и мегаполиса. Кафе, клубы и постоянные "тусовки" привели к тому, что в одном из ночных заведений он и встретил свою будущую спутницу жизни - танцовщицу Эрну Шиллинг. На этом портрете Эрна изображена типичными для экспрессионизма нервными мазками и интенсивными красками - бледная и меланхоличная Новая Женщина, облаченная в утонченную элегантную одежду.



Эрнст Людвих Кирхнер – Купающиеся в море

Еще одна из знаменитых картин художника. Я кстати думал, что уже писал про Кирхнера подробней в посте о шедевральной выставке автопортретов в лучшем музее мира -  http://lorien22.livejournal.com/205718.html, но оказалось что нет. Очевидно там и без Кирхнера хватало о чем рассказать). Тем не менее немного о художнике я таки да писал, когда посещал выставку фовистов в Музее Израиля, где и показывал его автопортрет - http://lorien22.livejournal.com/220544.html. Там же есть и некоторые дополнительные детали о течении экспрессионистов. А мы переходим к другием членам группы «Мост».



Карл Шмидт-Роттлуф – девушка перед зеркалом

Давший группе «Мост» ее имя художник Карл Шмидт-Роттлуф представлен на выставке двумя картинами. С 1912 по 1920 год Шмидт-Роттлуфф рисовал в более твердом и угловом стиле, который использовал и при оформлении ксилографий. На картине «Девушка перед зеркалом» хорошо видно диагональную композицию, свойственную художнику в те годы. Лицо похоже на маску в африканском стиле, а темные глаза сведены до прорезей на лице. Сцена наполнена нервными мазками синего, зеленого и землянисто-желтого цвета, как будто художник пытался передать из студии палитру природы.



Карл Шмидт-Роттлуф – портрет историка исскусств Вильгельма Нийемера

В 1907 году когда Эдуард Мунк увидел работы Шмидта-Роттлуфа, он впал в шок и заявил: «Нас ожидают тяжелые времена. Да поможет нам Бог!». Его слова оказались пророческими. Очевидно уже тогда, вслед за художниками «Мост» Мунк разглядел все напряжение начала века и угасание золотой эпохи Fin-de-Sciecle в работах немецкого экспрессиониста. Мунк был настолько впечатлен работами молодого художника (на тот момент Шмидту было всего 23 года), что позже он также заявил, что думал о них всю ночь.

Удлиненный, в виде маски (влияние Африки, Океании, примитивизма) портрет друга и патрона Шмидт-Роттлуфа выполнен в трех доминирующих цветах – желтый, зеленый и синий, со странным искажением глаз. В начале двадцатых годов Нийемер выпускал экспрессионистский журнал «Kundung», а Шмидт-Роттлуф делал к нему ксилографии и оформлял типографический дизайн. В наши дни аукцион Кристи продает «коллекцию Нийемера», которая состоит из 112 ксилографий (гравюр по дереву), 47 литографий, 28 офортов, 7 экслибрисов и 7 томов журнала «Kundung» (I-XII, 1921) – руки Шмидта. Изначальная цена лота – примерно полтора миллиона долларов.

Как и в случае Кирхнера, искусство Шмидта-Роттлуфа было объявлено нацистами «дегенеративным». В 1936 году художнику запретили выставляться, а в 1941 – вообще писать картины. 51 полотно художника было включено в выставку «Дегенеративное исскуство».



Эмиль Нольде – жители Папуа - Новой Гвинеи

В 1913 году Нольде отправился в Папуа - Новую Гвинею в составе демографическо-медицинской экспедиции с целью запечатлеть «туземную инаковость». Художник был в восторге от увиденного, и подверг жесткой критике Западную культуру. По его словам, «мужчины и женщины с красно-коричневым оттенком кожи, одетые лишь в набедренные повязки, создают идеальную гармонию с белым песком, пальмами, банановыми деревьями и другими разноцветными кустами рядом со своими хижинами, в то время как квартиры в Германии наполнеными дешевыми безделушками, а сами люди задыхаются в своих одеждах, поклоняются начищенным ботинкам и магазинам моды».



Идеи, высказанные Нольде выше, привели к тому, что нацисты узрели в них проявление дегенератизма. Более тысячи работ художника были конфискованы, частью проданы, а частью — уничтожены. Любопытно, что сам Нольде был убежден в превосходстве германского искусства, и в 1934 году вступил в ряды нацистской партии, однако это не помогло. В 1941 году Нольде запретили писать, и ожесточившийся художник уединился в Зеебюле, где тайком писал небольшого размера акварели, назвав их впоследствии своими «ненаписанными картинами».



Я очень люблю картины Нольде. Есть мнение, что Кирхнер «превосходит всех художников ХХ века по эмоциональной напряжённости работ». Я бы скорее сказал это про Нольде (Мунк и Ван-Гог, естественно, не в счет).



Макс Пехштейн – Сидящая девушка

Макс Пехштейн присоединился к группе «Мост» в Дрездене в 1906 году. Вместе с Хекелем и Кирхнером он рисовал обнаженных девушек на реках Морицбурга летом 1910 года. Художник рассказывал, что в группе был мощный творческий процесс и полная гармония.

Гармония скоро закончилась. Во время нацистского режима Пехштейна объявили евреем (что иронично, так как он им не был), и запретили выставляться. 326 его работ были конфискованы, некоторые из них, включая ту что перед вами, включили в выставку «дегенеративное искусство».



Паула Модерзон-Бекер – Нагибающаяся мать с ребенком у груди

Паула Модерзон Бекер рисовала картины в стиле примитивизма под влиянием "южного" периода Гогена и геометрических структур Сезанна. Мотив матери и ребенка выражал в ее глазах идеальное воплощение всех желаний женщины (феминистки дружно ушли вешаться). Женщина стоит на коленях в белом кругу, окруженная спелыми фруктами, что придает сцене церемониальный статус. Картина приобретает особую трагичность, если мы знаем биографию художницы и тот факт, что она умерла три недели после родов своего первого и долгожданного ребенка. Паула Модерзон-Бекер была из немногих женщин, включенных нацистами в выставку дегенеративного искусства.



Конрад Феликсмюллер – Отто Дикс рисует

Отто Дикс, присоединившийся к Дрезденскому Сецессиону по приглашению Феликсмюллера, изображен как агрессивный и мускулистый артист, с преувеличенной мимикой лица и артистической позой. В портрете Конрад соединил элементы экспрессионизма и течения Новая вещественность, стиль которого стал своего рода противовесом позднему романтизму и экспрессионизму, как в свое время экспрессионизм стал противовесом импрессионизму. Если экспрессионизм, несмотря на все свои эмоции и боль выражал некоторую надежду в будущее, то Новая Вещественность, возникшая в 20-х годах прошлого века (то есть после Первой мировой войны), уже этой надежды не имела, и отражала лишь цинизм и покорность судьбе. Художники Новой вещественности выше всего ставили непосредственную действительность, и отражали реальные вещи такими, какие они есть, без каких-либо идеализирующих или романтических фильтров.

В новой вещественности было два лагеря. Правый находился в Мюнхене и Карлсруэ, и предпочитал неоклассику и магический реализм, образцом для подражания избрав Джорджио ди Кирико - http://lorien22.livejournal.com/202167.html.  Левое находилось именно в Берлине и Дрездене и делало упор на социальную критику и карикатуру. Именно о главных представителях этого лагеря (Георг Гросса, Отто Дикс, Макса Бекман) мы сейчас и расскажем. Тем более что их искусство позднее было заклеймено нацистской пропагандой как дегенеративное. Портрет Феликсмюллера, выполненный, казалось бы, в формах, свойственный национальному движению, не понравился нацистам из-за стиля и социальный критики и тоже попал на выставку дегенеративного искусства.



Отто Дикс – портрет торговца искусством Альфреда Флехтхайма

Портрет Дикса является парафразой выходивших в ту эпоху фотографий еврейской физиогномии. С прямотой, характеризующей художников движения Новая вещественность (Neue Sachlichkeit) Отто раскрывает противоречивую личность торговца, с одной стороны харизматичного, с другой – декадентского и алчного. Устремленный вдаль взгляд Флехмхайма символизирует с одной стороны уважение к умению художника предсказать новые влияния в искусстве, с другой стороны указывает на холодный коммерческий расчет, и денежный драйв. Портрет не был оплачен, и сам торговец всегда говорил, что терпеть его не может.



Отто Дикс – Игроки в скат

Этот знаменитый антивоенный гротескный коллаж был создан Диксом прямо перед транзицией из Дады в социально-критический Новый реализм. Картина изображает три безобразно искаженные фигуры в кафе, играющие в скат, известную немецкую карточную игру. Оригинальная техника художника, соединяющего живопись и наклеенные материалы, такие как оригинальные игральные карты, газеты и алюминиевую фольгу (с портретом автора и подписью, как создателя искуственной челюсти), а также провокативное изображение войны шло вразрез с нацистскими идеалами о героизме, и вызвало их гнев настолько, что 26 картин Отто Дикса попали на выставку Дегенеративное искусство.



Георг Гросс – Столпы общества

Еще более знаменитая картина, чем Игроки в скат. После участия в выставке Дада в Берлине, Гросс стал ведущим художником группы Новая вещественность, разобличая аморальность германского общества посредством карикатур торгашей и проституток. На фоне горящих домов и зловещих солдат, четыре «столпа общества» символизируют Веймарскую республику: безухий страж закона с оружием наперевес и свастикой на галстуке. Журналист с ночным горшком на голове, с павлиньим «лгущим» пером в руке, и ластик для стирки честности и порядочности. Политик, чьи голова заполнена бурлящими (кипящими) экскрементами и краснолицый офицер религии в робе.



Георг Гросс – Серый день

В поисках нового направления в 1920-21 годах Гросс попал под влияние Джорджио Де Кирико и решил позаимствовать некоторые особенности итальянской метафизики, например расположение фигур в пустынном индустриальном пространстве. В этой картине, «Серый день» Гросс поделил обзество на четыре класса, каждый представлен собственным архетипом: косой государственный служащий, собирающий пособия для ветеранов войны, мрачный осовобожденный от дальнейшей службы солдат-ветеран, безликий рабочий и торговец на черном рынке. Работы Гросса несли в себе смысл более политический, чем экзистенциальный, что, само собой, не могло понравиться Гитлеру и Ко. 285 картин Гросса были изъяты из галерей Германии, и 20 из них удостоились чести стать частью выставки Дегенеративного искусства.



Макс Бексман – Рождение. Смерть. Диптих.

Бекман был медбратом в ходе Первой мировой войны и видел собственными глазами все ужасы различных ранений. Потом этот опыт он перенес в свое творчество. Эти картины он создал в 1937 году в Амстердаме уже после того как нацисты изнагли его из Германии, причислив к дегенеративным художникам.



Сцены изображены очень театрально, и выглядят как человеческий карнавал. Рождение происходит в очень ограниченном пространстве, наполненном страданием, а Смерть выглядит как кошмар. Рыба, ангел, медсестра, мужской хор и гибридные существа сопровождают женщину в ее пути в загробный мир.



Иконографический язык Бекмана под влиянием христианского, мифологического и теософического символизма, не расшифровывается до конца, но можно легко распознать среди хаоса ужас и страдание.



Кристиан Шад – Соня

Активный участник движения Дада в Цюрихе и создатель фотограмм (фотографий без использования камеры – их даже называли Шадограммами. Потом их, в том числе, использовал Ман Рэй, выставку которого сейас тоже можно увидеть в  Музее Израиля). В 1927 году Шад вернулся в Берлин и стал одним из лидеров группы Новой вещественности, рисуя четкие и хладнокровные портреты своих друзей из «Ревущих двадцатых» (The roaring twenties). Так, андрогеничная Соня, работницы из офиса, облачена в модные одежды и курит сигареты Camel - аттрибуты независимой женщины. Техника Шада позволила ему замаскировать собственный радикализм, и, к удивлению всех, его не преследовали нацисты (в отличие от других членов группы Новая вещественность, таких как Гросс, Дикс и Бекман). Его картины даже были включены в выставку «Великое Германское искусство» в Мюнхене, и это сыграло с ним очень плохую службу, запятнав его репутацию на долгие годы после Второй мировой войны.



Лотте Лазерштейн – вечер над Потсдамом

Триумфальный взлет художницы Лотте Лазерштейн прервался с приходом нацистов к власти, и в 1937 году она иммигрировала в Швецию. Эта меланхолическая картина отсылает нас – как же иначе – к тайной вечере Леонардо да Винчи, и считается главной работой художницы. Фигуры, выполненные в современном стиле, и топографически четкий вид города подчеркивает реализм Лотте, хотя художница не разделяла радикальную социальную критику группы Новая вещественность.

Любопытно, что ее фигуры на портретах часто выглядят очень сильными, отчужденными и атлетичными, что очень подходило нацистской пропаганде. Однако национальность все-таки сыграла свою роль. Художница долгие годы пребывала в полном забвении, пока в 1987 году не последовало ее "переоткрытие". В том же годы состоялась большая выставка ее работ, и Лотте вернулась на центральную сцену, по крайней мере в Стокгольме и Берлине.



Оскар Кокошка – художник с куклой

Знаменитая картина не менее знаменитого художника. Обсессия Оскара по отношению к Альме Малер, которая бросила его и вскоре вышла замуж за Вальтера Гропиуса (основателя Баухауза, кстати!) привела к тому, что он заказал себе куклу альмы в ее образе и подобии (оригинальных размеров). Про Альму Малер, которая в 16 лет успела побывать с Климтом, а потом вышла замуж за Густава Малера - и это все до треугольника с Кокошкой и Гропиусом (последнего она кстати тоже бросила, и после вышла замуж за Франца Верфеля. Очевидно в коллекции художников, композиторов, и архитекторов ей не хватало писателей) я особо распространяться тоже не буду - тут книги не хватит. У этой женщины, перетрахавшей всех знаменитых гениев XX века есть либо поклонники, либо ненавистники. Я только одного не понимаю - как? Я посмотрел на ее портрет - это же ужаснах. Что это, магнетизм, как у Риверы? - http://lorien22.livejournal.com/225835.html. На этот раз я требую объяснения у мужчин!

Однако вернемся к картине. Портрет, с его чувственными яркими цветами служит своего рода ностальгией по бывшему эротицизму между любовниками, а указание Кокошкой пальцем на чрево Альмы служит напоминанием об аборте его ребенка, который женщина сделала перед тем, как уйти к Гропиусу. Нацисты ненавидели Оскара, который много раз гневно отзывался об антисемитах, и с радостью сделали его очередным дегенератом. Кокошка, впрочем, это все благополучно пережил (и Альму Малер, и нацистов), и стал единственным крупным представителей течения, заставшим возрождение всеобщего интереса к экспрессионизму в конце 1970-х годов. Позднее в стиле Неоэкспрессионизм работали мой любимый Баскиат, Давид Хокни - http://lorien22.livejournal.com/256798.html, Леон Коссоф - http://lorien22.livejournal.com/274616.html, и многие другие.



Йозеф Шарль - Человек (Ecce Homo)

В ходе Первой мировой войны Йозефа Шарля заживо закопали в окопе возле Вердона. Когда его вытащили оттуда, у Йозуфа развился частичный паралич и тяжелые головные боли, преследовавшие ходожника до конца его дней. Этот портрет изуродованного и искаженного осовобжденного от службы солдата отражает как все ужасы войны, так и личное восприятие художника. Шарль воспользовался техникой Импасто, позаимствованной у Ван Гога, чтобы показать, как война преображает человека - справа мы видим его до войны, слева - после.



Я не хочу показывать вам всю выставку, но еще о нескольких картинах да расскажу. Например об этой



Гейнрих Эмзен – в сумасшедшем доме

В ходе двадцатых годов социальная неподходимость и нужда в революции стали центральными темами в творчестве Эмзена. Трамва Первой мировой войны, во время которой художник был солдатом, и неудачная революция 1918-1919 годов привела к тому, что художник начал исследовать тему убежища, которое, по мнению художника, также угрожало человеческому существованию. В 1933 году Эмзена несколько месяцев держало под арестом Гестапо. В 1937 году его объявили дегенератом, а картины изъяли из всех германских музеев и коллекций.



Карл Хофер – охранник

В 1947 году Хофер написал: «художник – сейсмограф, запечатлевающий хаос, который скоро наступит». Хмурые композиции Хофера зачастую напоминают самого художника, предупреждающего нас о ситуации в мире. Как охранник на картине, в тишине наблюдающий за отчужденным пейзажем, Хофера подвергли вынужденному одиночеству и запретили ему творить, пока он находился в плену во Франции в ходе Первой мировой войны. Потом он высказался против нацистского режима, и ему вновь запретили заниматься искусством. Его картины были конфискованы, и восемь полотен были выставлены на выставке дегенаративного искусства.



Хорст Штремпель – ночь над Германией

Хорст Штремпель был учеником Карла Хофера в Берлине и членом коммунистической партии. В 1933 году он бежал из Германии в Париж, но когда нацисты оккупировали Францию, провел немало времени в лагерях. Именно там он и сделал зарисовки для будущих картин, которые нарисовал сразу после окончания войны. Здесь мы видим жуткого «охранника», наблюдающего отчужденный пейзаж скученных бараков концентрационного лагеря. Эта картина была первой из монументального триптиха, почти алтарного по своей сути – ведущий художественный документ о первых послевоенных годах Германии. Картина Ночь над Германией стала вехой в живописи и символом эпохи - от захвата власти в стране нацистами в 1933 году и до поражения во Второй мировой войне в 1945 году.



Выставка "Закат над Берлином" представлена не только художниками Экспрессионизма и Новой Вещественности. Есть тут и несколько работ группы "Синий Всадник". Подробнее о них можно прочитать у меня в линке о выставке фовистов в Музее Израиля, но если вкратце - до сих пор ведутся споры, можно ли относить группу к экспрессионистам или нет. Их произведения более лиричны и абстрактны, менее эмоциональны, а кризисное состояние общества не волновало "Синих" вообще. Кроме этого их работы более гармоничны, в то время как экспрессионизм дисгармоничен по определению. Однако и работы моего любимого Пауля Клее были причислены нацистами к дегенеративному искусству из-за «психической нестабильности», а картины названы «примитивными» и «детскими».



Эта картина называется «Архитектура» и в ней многочисленные кубы разных цветов громоздятся друг на друга, становясь легче при подъеме, и создавая абстрактную композицию. Клее также зачастую пытался создать диалог между живописью и музыкой, приписывая параллели в звуках различным цветовым тонам.



Кандинский – форма рога

Основатель и лидер группы "Синий Всадник" Василий Кандинский исследовал взаимодействие звука, цвета и пространства. В 1933 году с приходом нацистов к власти перебрался в Париж, 57 его картин были конфискованы, и целых 14 включены в выставку дегенеративного искусства по «трем причинам, из которой каждая плохая уже сама по себе: 1) бывший русский, 2) Абстракционист, 3) бывший мастер Баухауза...»



Оскар Нерлингер – радиобашня и уходящая ввысь железная дорога

Напоследок - немного индустриализма, функционализма и баухауза. Член ассоциации революционных визуальных артистов (вот ведь названия были в Ревущие двадцатые) и коммунистической партии Оскар Нерлингер резко критиковал индустриальную эксплуатацию. Но он также был очарован современным метрополисом, с его эффективной технологией, авангардной архитектурой и модернизированным транспортом. Радиобашня в берлинском вест-энде, самая высокая в Германии, была символом города, масс-коммуникаций и прогресса, и Нерлингер пытался подчеркнуть, в своем особом конструктивистском стиле, все свое очарование от этого сооружения.



Оскар Шлемер – белая молодежь

Сегодня уже одно только название этой картины вызвало бы ажиотаж. «Белая молодежь» - одна из немногих картин Шлемера, в которой он сосредотачивается на одной фигуре, а не на группе. Каждая часть тела этой андрогеничной фигуры в белом, упрощена до геометрической формы а поза создает диагональную и параллельную линии. Румяный торс имеет чистую форму трапезоида, соединяющегося с изогнутым сиденьем стула – намекая на сосуществование человека (субьекта) и объекта



Оскар Шлемер – нагота, женщина, и приближение мужчины

Еще одна картина Шлемера – артиста Баухауза, более известного своей экспериментальной работой в театре. В этой картине Шлемер исследует взаимодействие между человеком и архитектурой. В центре голый мужчина, шагающий вперед, какбэ прячет в себе женщину в длинном черном платье, которая сливается с черной стеной позади нее. Третья фигура подступает слева, но поглощается белой стеной. Расположение фигур на картине создает изумительную глубину. Абсолютно аполитичный подход Шлемера к исскуству (для него это была независимая сфера) был воспринят нацистами как подрывной. Более пятидесяти работ художника и артиста были изъяты из галерей, а семь попали на выставку дегенеративного исскуства.



Кате Коллвиц - Пиета. Очень сильная скульптура. И хотя мотив старинный, позаимствованный еще у Микеланджело, к ужасам войны он имеет самое прямое отношение.



Напоследок я просто обязан сказать, что Экспрессионизм - это стиль, отразившийся не только в живописи, но и в литературе (самым ярким его представителем я считаю Альфреда Дёблина, вообще моего любимого писателя. Если хотите пример экспрессионизма, почитайте его короткий рассказ Убийство одуванчика - ничего подобного ри до этого, ни после этого написано не было), в театре (Ведекинд и Стриндберг, Леонид Андреев и Юджин о`Нил), в кинематографе (Ланг и Мурнау), в архитектуре (например церковь Хатльгримскиркья в Рейкьявике - http://lorien22.livejournal.com/299632.html, вот и Исландия органично вписалась, и церковь Грундтвига в Копенгагене, о которой я еще обязательно расскажу), и в музыке. На этом было бы неплохо остановиться, но другого шанса не будет, поэтому совсем-совсем кратко - о выставке Дюрера.



Портрет Дюрера, работа Эрхарда Шёна



Атмосфера



Дюрер считается первым художником, осознавшим весь потенциал гравюры, и сделавший ее своим "знаковым творчеством"



"Адам и Ева". Обатите внимание на формы - теперь вам чуть понятней, у кого экспрессионисты считали своим учителем?)) Вот и еще одно пересечение двух выставок.



Более "каноническое" изображение Адама и Евы, под влиянием итальянского Ренессанса. А вот еще одно, на этот раз Кранаха Старшего



Еще немного Кранаха, "Суд над Парисом"



Мне очень понравилась эта работа, Ханса Бальдунга



Возвращаемся к Дюреру. Оказывается это он придумал Змей Горыныча)



Одна из самых удачных гравюр, имхо - Фортуна на земном шаре



В 1498 году Дюрер выпустил "Апокалипсис" - серию из 15 гравюр, иллюстрирующая Откровение Иоанна Богослова. Это была первая книга-творение одного человека. Дюрер сам написал, пруфридил, оформил и напечатал ее. Популярность гравюр серии была также связана с широко распространённым в это время ожиданием конца света в 1500 году. Вот одна из гравюр, поклонение агнцу.



А как вам этот "чертик"? Воланд отдыхает



Также на выставке присутствуют три "шедевра" Дюрера - "Всадник, Смерть и Дьявол", "Меланхолия 1" и "Св. Иероним в рабочей комнате".



Коллажэ



Другие Иеронимы-Герасимы)



У него такой лев прекрасный, с которым он любил ходить в древности по нашей стране, курить отменную траву и строить монастыри в пустыне - http://lorien22.livejournal.com/294027.html



На сей прекрасной ноте и завершим. Какбэ это еще далеко не все - есть еще замечательная выставка "Краткая история человечества", о которой я уже рассказывал - http://lorien22.livejournal.com/288877.html, есть замечательная выставка еврея Ман Рэя (извините, не удержался), на которую у меня в этот раз уже просто не хватило сил, и еще много всего.



В общем жаль, что Музей Израиля не каждый год празднует свое пятидесятилетие. А вы не пропустите момент и посетите выставки. Ручаюсь вам, такого удачного года потом долго не будет.
Tags: Выставки, Иерусалим, Израиль, Искусство, Музеи, Самое прекрасное в мире
Subscribe

  • Post a new comment

    Error

    default userpic

    Your reply will be screened

    When you submit the form an invisible reCAPTCHA check will be performed.
    You must follow the Privacy Policy and Google Terms of use.
  • 12 comments